Top 10 de la década: Hip-Hop

3 Diciembre 2009 - 2:41am

por Cirdan

Esta ha sido una década extraña para el hip-hop. Por un lado, el género nunca había tenido el éxito con el que ahora goza. Por otro lado, su muerte ha sido proclamada por lo menos unas tres veces en los últimos años.

La causa de esta paradoja probablemente se encuentra en la década de los 90’s y en la percepción que muchos tenemos de que esos han sido hasta el momento los mejores años del hip-hop. Si los 80’s fueron la infancia del hip-hop, los 90’s fueron su adolescencia; llena de deseos, sensaciones, posibilidades y experiencias nuevas.

Fue la década del Wu-Tang Clan, 2Pac, Notorious B.I.G, Nas, Jay-Z, Public Enemy, Outkast, Dr. Dre, Snoop Dogg, etc. Algunos de esos artistas se mantuvieron vigentes en el nuevo milenio, otros perdieron relevancia y varios más ya no están con nosotros. Pero el material que sacaron sigue siendo punto de referencia para los raperos de la actualidad.

En cambio, en los 00’s el hip-hop se volvió veinteañero. Y con eso vinieron la inseguridad y las dudas, las decepciones y los fracasos. Pero también vinieron los primeros contactos con el mundo exterior después de salir de la burbuja de la adolescencia. El hip-hop conoció gente nueva e hizo amistades en los lugares más variado del mapa.

Indecisión entre mantenerse dentro de la tradición o buscar algo nuevo. Éxito global inusitado. Ese es el estado del hip-hop en esta década que se nos va.

10. Choc Quib Town - Somos Pacífico (2006)

“Donde se dan un pico/Y juran que fue un beso/Donde el manjar al desayuno/Es el platano con queso” – Somos Pacifico, Choc Quib Town

Y’know, usualmente tendemos a subvalorar la música de Colombia. Culpo a Juanes y a una Shakira enjaulada. Pero si se busca, se encuentra. Y si se busca es casi imposible no encontrarse con Iván Benavidez, miembro de El Bloque y productor de los mejores discos de Carlos Vives, y Richard Blair, la mente detrás de Sidestepper (elegido como el mejor disco colombiano de la historia). Ambos maestros se encuentran detrás de las consolas produciendo este gran disco debut de Choc Quib Town. Pero, hey, ¿quiénes son estos del nombre chocolatero?

Choc Quib Town está compuesto por tres colombianos provenientes del Pacifico olvidado de Colombia: el Chocó y el Quibdó. Los tres, armados de lirica fina y flow potente pero relajado, vienen a representar a su región, sus costumbres, tradiciones e historia. Como es la triste realidad de la mayor parte de la Latinoamérica Negra, el Chocó es una de las regiones más pobres de Colombia y más afectadas por la larga violencia con la que se ha visto envuelto ese país. Pero no hay miedo, que aquí llega Choc Quib Town a cambiar balas por rimas y hambre por sabor.

Con liricas atentas, comprometidas, sociales y divertidas; que hablan desde el pescao envenenao hasta la hermandad del ghetto pasando por algunas de las canciones de amor más sinceras del hip-hop; y acompañando sus beats con influencias del ragga, reggae, R&B y ritmos colombianos y latinos (de la salsa al currulao con plena marimba de por medio), Choc Quib Town presenta lo que a mi gusto es uno de los mejores debuts de la década. Me tomó por sorpresa cuando lo escuché por primera vez. Y sigue sonando tan fresco como en ese primer momento.

09. Dizzee Rascal - Boy In Da Corner (2003))

“Looks like I’m losin’ mates/There’s a lot of hostility near my gates/We used to fight with kids from other estates/Now 8 millimeters settle debates” – Brand New Day, Dizzee Rascal

Dizzee Rascal es probablemente el abanderado más reconocido internacionalmente del grime, género urbano británico que presenta una agresividad musical, vocal y lirica para describir las deplorables condiciones de los ghettos londinenses. Y Rascal, en la mayor parte de este disco, no es algo si no agresivo. Hombre o mujer que se meta con él es hombre o mujer que sale destruido. ¿Consideración para los niños? Ja, ¡si Dizzee tenía 17 años cuando grabó este disco! Él era prácticamente un niño.

Dizzee no es ajeno a la problemática de esta situación. Si bien se ve obligado a darse a respetar en un mundo difícil para aquellos como él, también es consciente de que un chico de 17 años NO debería estar practicando una agresividad que lo lleve a una vida de crimen y violencia. Pero tampoco crean que el Rascal es el poeta concienzudo del ghetto, la violencia y el crimen son cosa de todos los días en su vida y no se arrepiente de usarlos. Pero, al mismo tiempo, se pregunta “¿cuál es el punto de todo esto?”.

Pero no solo el contenido lírico hace al disco sobresaliente; la velocísima delivery de Dizze junto con unas beats intensas y asimétricas que "samplean" básicamente todo lo que se encuentran, y que se plantan en contraposición con los típicos bangers pegajosos norteamericanos, logran elevar las rimas de Dizzee y convertir sus reflexiones de la dura vida en el ghetto en el mejor ejemplo del grime que estos oídos escucharon durante esta década.

08. Madvillain - Madvillainy (2004)

“When he had the mic you don't go next/Leaving pussy cats like wild hoes need Kotex/Exercise index won't need Boflex/And won't take the one with no skinny legs like Joe Tex” – Accordion, Madvillain

Daniel Dumile era el Mick Foley del hip-hop, tenía tres personalidades diferentes: Viktor Vaughn, King Geedorah y MF Doom. Los tres enmascarados, los tres con sus propios discos. Los tres lanzados en un periodo febrilmente creativo de dos años. El pueblo no los compraba, la Billboard no los quería pero la crítica lo aclamaba y la blogosfera lo levantaba en brazos. Pronto entrevistas aparecían en las que se anunciaba que Dumile iba a sacar no uno, no dos, sino tres discos en espacio de unos cuantos meses. El tipo estaba de primero ante la puerta de la cloaca, listo para salir del underground.

Hasta que… bueno, hasta que Dumile desapareció. Pero antes de desvanecerse de la faz de la tierra, nos dejó un regalo para que lo recordáramos. Realizado en colaboración con Madlib, uno de los productores más respetados del underground, Madvillainy es probablemente la ejemplificación perfecta del hip-hop avant-garde de los 00’s: producción idiosincrática, samples de series infantiles y viejas películas de acción, jazzy beats, canciones cortas, rimas sin sentido, mota a granel, apariciones especiales de extraterrestres adictos al helio y un largo y desconcertante etc.

El concepto del disco sigue a un malvado villano que busca destruir el mundo pero, en realidad, en sus 22 breves canciones, Dumile encuentra espacio para rapear acerca desde la guerra de Irak hasta aquella vez que encontró a su novia mamándole la verga a su amigo.

Madvillainy definitivamente no es para todos. Pero, para usar una frase cliché, definitivamente no hay nada como este disco allá fuera. Excepto, tal vez, los otros discos de Dumile. Quien, por cierto, ya apareció. Enhorabuena.

07. Tego Calderón - The Underdog/El Subestimado (2006)

“Y si te luce te lo enjaguo, pues claro/De la sazón soy el zafacón/Yo soy el cheve-cheverón/Calderón, el mayimbeé de corazón/Simon, simon” – Pon La Cara, Tego Calderón

Tego a mí me encanta. Para mí, toda la existencia del reggaetón está justificada tan solo por el Negro Calde. Desde su disco debut, El Abayarde, en el 2003, Jiggiry ha venido enseñándole a todo los mamabicho quien es el verdadero dueño de este género. Ese mismo disco actualmente es considerado uno de los textos fundacionales del reggaetón al mismo tiempo que Tego es considerado como la figura más influyente del género.

Considerando esto, a lo mejor es un poco extraño que Tego haya decidido titular a este disco con el nombre de The Underdog, pero esto salió en el 2006, tiempo en el que la Gasolina llenaba todas las antenas con su infeccioso ritmo y letra sin sentido. Claro, Tego era muy fino para esa mierda. Y si iba a mostrar que era el mejor, no lo iba a mostrar en la Billboard o en los Grammy, lo iba a mostrar haciendo el mejor disco en la historia del reggaetón.

Tego conoce de donde vino esto y hacia donde va. Con el Maelo y Jamaica en la mente pero con la mirada fija en toda Hispanoamérica unida, como cuál salsero setentero y con la negritud hasta el afro, Tego escupe lo fino con su inimitable estilo, ese flow entrecortado, entre borracho y drogado.

Entrándole sin miedo a la salsa monga, al dancehall, a la bomba, la plena, al blues, al hip-hop y, sí, al reggaetón más puro, Tego nos habla de su ex-mujer, de líos en la cama, de los abogados de divorcio, de su difunto padre, de sus críticos ignorantes, de los negros juega blancos y de la corrupción. Todo sin perder el swagger ni el estilo, vacilando siempre, mezclando un slang puertorriqueño que parece recorrer épocas y décadas, todo en un solo disco.

06. Lupe Fiasco - Lupe Fiasco's The Cool (2007)

“Lean back in my first-class seat and sleep/Don’t wake me ‘till I land/When they barely understand what I speak/But they nod to my beats” – Paris, Tokyo, Lupe Fiasco

Nacido como Wasalu Muhammad Jaco en el West Side de Chicago e hijo de un Pantera Negra experto en artes marciales, Lupe era un buen chico en su adolescencia. Musulmán, comprometido socialmente, hijo de nacionalistas negros, estudioso y nerd; ¡de joven no le gustaba el hip-hop porque tenía mucha mala palabra! Ya saben el tipo de rapero con el que estamos tratando: lo que ahora conoceríamos como un rapero hipster. Bien vestidos, amantes de lo bueno pero no de lo pomposo, románticos, críticos de las historias de balaceras y ventas de drogas que tanto abundan en el hip-hop comercial; Lupe y sus compinches han logrado encontrar su nicho dentro del juego.

The Cool es un disco ligeramente conceptual. La historia sigue a un Michael Young y su ferviente deseo por hacerse millonario, deseo que lo lleva a encontrarse con The Streets y The Game a quienes les vende su alma para obtener The Cool. O algo así. El punto es que Michael quiere ese papel verde y para lograrlo está dispuesto a hacer lo que sea: vender droga, matar y morir. Su futuro, por lo tanto, es predecible.

El disco es oscuro. Lupe venía saliendo de la muerte de su padre y de varios amigos y eso se nota. Hay poco optimismo en este relato acerca de unas calles infestadas de crimen, irresponsabilidad, niños sin padres, drogadicción y muerte. Lo que sí hay es rima fina, consciente, activa y motivada, que no se contenta con describir lo negativo sino criticarlo y con eso despertarnos y decirnos que el sistema está mal y hay que cambiarlo. Si, miseria y muerte en el ghetto, pero siempre con unas gotas aquí y allá de esperanza. Por lo demás, el flow es oro, liso como la seda, acompañado de beats densas con tintes de R&B, soul y mucho piano.

A algunos les sonará sermoneador y sobrecargado. Pero para mí Lupe es el talento nuevo más emocionante del hip-hop estadounidense y este es uno de los mejores discos de la década.

05. Kanye West - Late Registration (2005)

I always knew that one day/They’d try to bring me down” – Bring Me Down, Brandy

¿Recuerdan aquellos tiempos en que Kanye era reservado, tranquilo, humilde y asistía a entregas de premios sin necesidad de tirar una rabieta cada vez que no ganaba Mejor Booklet del año?

No, yo tampoco.

Hasta adonde me concierne, y a juzgar por sus letras, el hombre siempre ha sido así. El tipo es el eterno underdog. Pero solo en su mente. The College Dropout fue un éxito total, sorpresivo, un soplo de aire fresco a una industria musical controlada por gangsta rappers al estilo de 50 Cent. Aquí llegó este tipo flacucho y con polos pastel que, sin haber recibido 9 balazos en la cara, podía vender multiplatino, aterrizar singles al tope de la Billboard, obtener aplausos de la crítica e, incluso, llevarnos de vuelta a la iglesia.

Pero si TCG fue su introducción triunfal, Late Registration fue el disco que cementó su estampa como lo más caliente y novedoso en el hip-hop desde los tiempos en que Eminem asesinaba a su novia embarazada. Esta es la obra technicolor, en widescreen y Dolby 5.1 esencial del hip-hop de los 00’s. Kanye saca todos los trucos de la manga, con una producción que incluye desde samples de soul hasta una orquesta pasando por los idiosincráticos teclados de Jon Brion y una lista de invitados que incluye a ganadores del Oscar, raperos legendarios, comediantes difuntos y estrellas del R&B. Kanye nunca tuvo un flow espectacular, ni las rimas le salían tan fácilmente como a algunos de sus colegas en la cima. Pero el hombre, un perfeccionista, trabajaba y trabajaba hasta lograrlo. Y bien que lo hizo.

Tal vez por eso el tipo es tan repelente, arrogante, infantil, imbécil o llanamente hijo de puta. Empezó desde abajo y llegó a la cima en tan solo unos pocos años y se ha logrado mantener sacando disco aclamado tras disco aclamado. Lo ha logrado casi todo. Pero es ese “casi” el que lo desvela en la noche.

Con el Late Registration le debió haber quedado claro que, tranquilo Kanye, estamos contigo.

04. M.I.A. - Kala (2007)

“Hands up/Guns out/Represent the World Town” – World Town, M.I.A.

Maya Aprulgasam es, si tal vez no la mejor, entonces por lo menos la más exitosa personificación de lo que Wayne Warshall ha llamado global ghettotech o nu-whirled music. Estos términos se refieren a una especie de world music 2.0 en la que la música, en vez de provenir de consumados músicos de instrumentos tradicionales, sale de las computadoras de cientos de chicos en los ghettos de las capitales del mundo subdesarrollado. M.I.A. conscientemente cultiva una imagen y un mensaje de orgullo tercermundista, combinando influencias de su natal Sri Lanka y de los países africanos y caribeños que ha visitado.

M.I.A cosecharía multitud de aplausos con sus primeros lanzamientos, la mixtape Piracy Funds Terrorism Vol.1 y su debut Arular, el cual fue considerado de los mejores discos de su año. Pero M.I.A seguía siendo un fenómeno muy blogosfero y festivalero, desconocida para la mayor parte de la audiencia.

Eso cambiaría con Kala y, más específicamente, con su single Paper Planes, la cual se convirtió en una de las canciones clave del 2008. Pero, en realidad, todo el disco está lleno de joyas, todas tocando temas muy tercermundistas como la inmigración, la guerra, el dinero, y el empleo informal, desde una perspectiva bastante jocosa. Tan global es M.I.A que grabó el disco en diferentes locaciones mundiales, desde Trinidad hasta la India, e incluyó como invitados a raperos nigerianos asentados en Londres y a niños aborígenes australianos. Y bueno, también sale Timbaland. ¿Recuerdan cuando Timbo salía en todo lado?

Kala probablemente es el disco menos hip-hop de esta lista. Pero su espíritu es hip-hop all the way, desde la forma en que la música samplea ritmos de diferentes orígenes hasta la manera en los invitados multinacionales utilizan el rap para representar su cultura. En los años siguientes al lanzamiento de este disco, M.I.A tendría un hijo, sería sampleada por Kanye y compañía, ganaría un Grammy a Mejor Grabación del Año y sería nominada a un Oscar.

El Tercer Mundo está en la casa.

03. Jay-Z - The Blueprint (2001)

“Motherfuckers, say that I'm foolish/I only talk about jewels/Do you fools listen to music/Or do you just skim through it?” – Renegades, Jay-Z

En estos días, Jay-Z es reconocido como uno de los mejores raperos de la historia del juego. El tipo tiene el dinero, la aclamación, el record de numero 1’s en la Billboard, los negocios, el swagger, el cool y a la Beyoncé. Para resumirlo, es un intocable. Aquellos pocos que todavía se atreven a atacarlo ven sus argumentos caer como en terremoto chino ante el frío peso de los hechos: nadie comanda el éxito y el respeto en el juego como Jigga.

Pero no siempre fue así. A inicios de los 00’s, en particular, Hova era atacado constantemente en diss tracks por un sinnúmero de raperos (siendo los más prominentes Nas y Mobb Depp), enfrentaba problemas con la justicia y se recuperaba de un último disco no muy bien recibido ni por la crítica ni por la audiencia (igual fue número 1, claro). Pero justo en ese momento decisivo, cuando la olla de presión estaba por explotar, aparece The Blueprint. Aquí Jay no va por el empate, va por la victoria, y por goleada, en cancha visitante.

Al igual que los atentados del 11 de setiembre vinieron a cambiar el mundo, The Blueprint, lanzado ese mismo día, cambió el juego. Su portada, a lo Blue Note, unía a Jay con todo un linaje de artistas afro-americanos del siglo XX, maestros del cool, de la improvisación, del estilo. Su sonido, con su gran uso de samples de soul, haría estrellas de productores hasta ese momento desconocidos, como Just Blaze y Kanye West, quienes vendrían a definir el sonido del hip-hop de la primera mitad de la década.

Y claro, estaba ese tipo Jigga, con su flow, su garbo, su arrogancia, su absoluta relajación al entrar a la cabina y escupir rimas con sus feroces ataques, sus incontables conquistas y sus interminables éxitos. The Blueprint no es el disco con el que Jay convenció a todos de su valía, ese fue Reasonable Doubt. Pero The Blueprint es el disco con el que Jay reclama el trono. Y lo reclama con la intención de no soltarlo.

02. The Streets - Original Pirate Material (2002)

“The road shines/And the rain washes away/The same Chinese takeaway/Selling shit in a tray/It’s dark all around, I walk down/Same sights, same sounds, new beats”- Weak Become Heroes, The Streets

Hombre, cuando Mike Skinner lo tenía, habían pocos como él que pudieran describir de manera tan entretenida y afectiva la vicisitudes de un simpletón perdido en las entrañas de una monótona y gris ciudad inglesa. Claro, el tema no es nuevo. Los “Angry Young Men” ingleses han aparecido en el cine, el teatro, la música y la literatura desde el fin de la Segunda Guerra Mundial. Pero Skinner, bajo el nombre de The Streets, lo actualizó al nuevo milenio.

La fotografía de Rut Blees Luxemburg que ilustra la portada (fotógrafa también de la portada del A Weekend in the City de Bloc Party) nos establece la escena: un proyecto habitacional, de esos anónimos y en decadencia que tanto adornan las ciudades superpobladas del mundo. El personaje: un tipo cualquiera con un trabajo cualquiera experimentando situaciones cualquiera: el problema: un futuro sin futuro; repetitivo, sin crecimiento y llego de resignación.

Después de la larga noche de los raves, de las noches interminable al son de las pastillas, del garage, del jungle y del drum n’bass, llega el temido amanecer que anuncia el fin de la excitación de los 90’s para dar paso a los 00’s. Sin saber que hacer de su vida, el protagonista de The Streets deambula de un bar a otro, de un trabajo a otro, de una novia a otra; siempre en busca de un sentido de pertenencia y satisfacción que se le hace esquivo. Y, de paso, aprovecha para enseñarle a los otros MCs ingleses como es que se hacen las cosas. Algo que nunca está de más.

Skinner exploraría más su talento para los detalles y las narrativas en su segundo disco, A Grand Don’t Come For Free (el cual es ampliamente recomendado), pero es con Original Pirate Material que dio a conocer al mundo su mezcla de arrogancia desafiante, sentimentalismo patético y optimismo final por un mejor mañana, aún cuando por el momento esté hundido en mierda.

Luego, The Streets se haría famoso y adinerado, con todo lo que eso conlleva y sus canciones perdieron resonancia (Dios sabrá adonde está el tipo ahora después de dos discos de mierda) pero con este trabajo, en el 2002, existían razones de sobra para mantenerse positivos.

01. Outkast - Stankonia (2000)

"POWER MUSIC ELECTRIC REVIVAL" - B.O.B, Outkast

Y a esto llegamos. Al Planeta Stankonia.

Outkast ya eran grandes para cuando entramos al nuevo milenio. Representando a ATL y a todo el Dirty South, los dos de East Point le venían dando bofetadas desde hace años a todos aquellos que decían que del Sur no salía nada bueno. Con Outkast bastaba y sobraba.

Pero el momento en que Outkast se volvió RELEVANTE, en que pasó de ser un aclamado dúo hip-hop a volverse imprescindible en el panorama musical global fue en octubre del 2000, fecha de lanzamiento de Stankonia. Este disco lo tuvo de todo: excelentes ventas, críticos que se peleaban entre ellos para escupir la mayor hipérbole posible, un single monstruoso en la forma de Ms. Jackson y múltiples nominaciones al Grammy, incluido Mejor Álbum del Año.

Outkast estaba en todo lado. Claro, que lo que pasaría cuatro años después con el doble LP Speakerboxxx/The Love Below sobrepasaría todo el éxito de este disco. O de cualquier disco en los últimos 6 años. Pero, si Speakerboxxx... era una demostración de que Big Boi y Andre tenían lo suyo también por separado, Stankonia es una prueba de que en pareja siempre es más sabroso.

Drum and bass, P-funk, samba, rock, gospel, chulos, putas, embarazos adolescentes, eyaculación precoz, pobreza, existencialismo, el fin del sueño americano, armas, penes, penes como armas, psicodelia y amor. Y sexo. Mucho sexo. Stankonia es el planeta del hedonismo, del placer, y de hacer el amor hasta que solo quede…Stankonia. Y con Andre y Big Boi como sus soberanos, claro. El primero, aportando la poesía y el segundo, la chulería.

Outkast están en otra cosa aquí. No solo en otro planeta sino que en otro universo del hip-hop. Y la manera en que lograron amarrar su experimentación con éxito comercial es poco menos que inspiradora en una industria obsesionada con las ventas. Outkast tiene la brújula. Y siguiendolos a ellos, seguimos al futuro del hip-hop.